En 2002, Dorothea Tanning a déclaré : «Je suppose qu’on me définira comme une surréaliste pour toujours, comme si je m’étais faite tatouer : D. Loves S.» Jeune artiste, elle a vu dans le Surréalisme un monde passionnant de possibilités, avec l’âge, elle reconnaît que son nom y sera toujours associé. Embrassant l’appel à libérer le monde de ce qu’André Breton appelait «le règne de la logique» dans le premier manifeste surréaliste de 1924, l’art de Tanning illustre la manière de laquelle les femmes artistes se sont tournées vers le Surréalisme et ont ensuite poussé l’esthétique du surréel dans des directions qui dépassent largement le cadre des écrits de Breton. Tanning, aux côtés de Leonora Carrington, Leonor Fini et d’autres artistes de leur génération, a mis le surréalisme au service des femmes, en faisant progresser ses intérêts pour l’inconscient, la mythologie, la magie et le désir. Au lieu du rôle traditionnellement prescrit de muse tant pour la femme artiste que pour sa représentation femme dans l’art, elles ont tracé de nouveaux récits mettant en scène des figures, des paysages ou des animaux fantastiques, dans lesquels la femme était toujours un agent actif.
La distraction, qu’elle prenne la forme d’un membre nu, d’un visage énigmatique, d’un animal hybride ou d’un paysage liquide qui semble se mouvoir sous nos yeux, unit les œuvres de ces artistes. La distraction sert à saper le monde rationnel dans lequel nous vivons et à nous attirer dans un monde surréaliste où l’émerveillement et la métamorphose sont constants. Les femmes artistes se sont tournées vers le concept de distraction non pas simplement comme un accessoire ou un style, mais comme une vision philosophique du monde: il défie l’idée qu’il n’y a qu’une seule façon de voir, de maîtriser la vie. Si le premier manifeste surréaliste citait Charles Baudelaire en décrivant la femme comme «le problème le plus merveilleux et le plus troublant qui soit au monde», ces femmes surréalistes ont amplifié ce pouvoir problématique, énigmatique et toujours distrayant.
La distraction implique l’agitation de l’esprit et des sens. Lorsque nous sommes distraits, il nous est impossible de penser à une seule chose. Comme l’a noté Walter Benjamin dans son essai de 1935 intitulé «L’Œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique», la distraction est l’état opposé à la contemplation, où nous nous concentrons et regardons vers l’intérieur et vivons une expérience solipsiste ; à l’inverse, le spectateur distrait est très présent dans l’espace collectif. En termes surréalistes, nous pourrions dire que la distraction garantit que l’art déborde de la toile et de l’espace de la galerie pour contaminer poétiquement la foule, activer de nouvelles expériences et engendrer d’autres distractions.
Les toiles, dessins et sculptures de cette exposition modèlent de nouvelles possibilités d’appréciation du monde en donnant forme à la distraction poétique par le biais de la ligne, de la couleur et de la forme pour nous attirer dans un monde de récits fantastiques.
Leonora Carrington, Leonor Fini et Dorothea Tanning ont joué un rôle essentiel dans l’expansion du surréalisme au-delà de l’intérêt initial du mouvement pour le texte et l’image automatiques au lendemain de la Première Guerre mondiale, jusqu’aux nouvelles orientations audacieuses qu’il a prises dans la littérature, la peinture, la conception de costumes et les sculptures à l’époque de la Seconde Guerre mondiale et dans les décennies qui ont suivi. Ces femmes artistes ont été très tôt reconnues dans le monde entier grâce à leur participation à des expositions internationales majeures, notamment l’exposition Fantastic Art Dada Surrealism d’Alfred Barr au MoMA de New York en 1936 et l’Exposition Internationale du Surréalisme à Paris en 1947 et en 1959. Ils continuent d’être reconnus comme des figures clés de l’avant-garde, comme en témoigne leur inclusion dans la 59ème Biennale de Venise intitulée The Milk of Dream (repris du titre d’un ouvrage de de Leonora Carrington) (23 avril - 27 novembre 2022) et l’exposition du centenaire du Surréalisme du Centre Pompidou à Paris en ce moment (4 septembre 2024 - 13 janvier 2025). Le travail de Carrington, Fini et Tanning est bien sûr très personnel,
mais elles partagent une vision surréaliste du monde tout au long de leur longue carrière, défiant les attentes du marché de l’art et de la société dans leur art et leurs choix de vie.
Carrington était la plus ouvertement féministe, affirmant en 1976 : «[Une] femme ne devrait pas avoir à exiger des droits. Les droits existaient depuis le début, ils doivent être repris, y compris les mystères qui étaient les nôtres et qui ont été violés, volés ou détruits». Dans le même temps, ses camarades féminines ont défié les binômes de genre dans leur travail et revendiqué les mêmes droits à leur manière. Fini a expliqué un jour : «Je suis en faveur d’un monde où il n’y a que peu ou pas de distinction de sexe», tandis que Tanning a écrit sur les défis d’être «une artiste vivant dans l’ombre d’un grand homme [Max Ernst]» jusqu’aux années 1950, lorsqu’une «lumière constante a brillé» sur elle en tant qu’artiste travaillant, et reconnue par la critique, à Paris.
Le Surréalisme au service de la distraction fait dialoguer les sculptures mythiques de Leonora Carrington (The Palmist, 2010), les dessins érotiques de Leonor Fini (Juliette, 1944) et les paysages kaléidoscopiques de Dorothea Tanning (Chiens ombragés, 1959) dans l’esprit de l’amitié qui les unissait et dans l’idée de l’esprit collectif plus large du surréalisme. Entre la chiromancienne mi-femme, mi-oiseau de Carrington, dont la couronne de ginkgo dénote sa résilience et les paumes ses pouvoirs magiques, la célébration par Fini de la Juliette libertine du Marquis de Sade qui s’extasie devant de la chair humaine, et la toile cristallisée de Tanning, dont les membres mi-humains mi-canins se morcellent dans une palette d’oranges, de bleus et de rouges, le temps glisse entre les moments ancestraux, littéraires et modernes.
Cette exposition explore également l’héritage de l’esprit surréaliste en faisant participer trois jeunes femmes artistes à la conversation.
Ainsi, une génération informe et distrait l’autre et le refus du Surréalisme de toute histoire linéaire, logique, masculinocentrée est magnifiquement remplacée par une histoire féminocentrée qui échappe aux définitions et aux catégorisations. Les peintures de Sara Anstis exploitent la sensualité haptique du pastel et se délectent de rendre étrange une scène familière.
Dans Sleepers (2024), les animaux et les humains partagent une intimité discrète, suggestive et érotique, ce qui n’est pas sans rappeler l’incorporation ludique par Tanning de terriers Lhasa Apso comme substitut d’enfant ou d’amant dans ses toiles.
Dans Swim (2024) et Reciprocal (2024), Piper Bangs développe la fascination des surréalistes pour la nature morte en approfondissant l’idée du fruit «défendu». De jolies poires phalliques oscillent entre des états de jeu et d’effondrement alors qu’elles sont mises en scène dans des paysages curieusement liquides. En mariant la période vache de René Magritte à l’humour érotique de Toyen, Bangs donne à l’humble genre de la nature morte, traditionnellement associé à la femme peintre, des directions glorieusement fétichistes. Dans The Big Listen (2022) et Amphibious Vessel (2022),
Ginny Casey veille également à ce que la lecture du symbolisme des rêves par Sigmund Freud prenne une tournure féministe.
Le psychanalyste considérait tous les contenants, d’une cuillère ou d’une boîte à un navire, comme un symbole de l’organe sexuel féminin et interprétait l’apparition d’une pièce dans un rêve comme un symbole de la femme désirée, attendant d’être pénétrée. Les vaisseaux amphibies animés de Casey font des ravages dans ce symbolisme freudien et dans la peur et le fantasme de la femme fatale chez l’homme, car les objets inanimés dansent et gesticulent comme des amants enthousiastes dans les pièces domestiques. Si Carrington a décrit la cuisine comme «un lieu de pouvoir», elle est ici un terrain de jeu.
L’écho surréaliste est palpable dans l’utilisation que font ces jeunes artistes de la distraction pour explorer l’espace, la sexualité et la narration.
Grâce à des styles presque naïfs et à des compositions qui peuvent rappeler les illustrations des livres pour enfants, ils s’assurent que la distraction réside dans l’invisible et l’immersif. La rencontre entre différentes générations d’artistes dans Le Surréalisme au service de la Distraction invite le spectateur à profiter pleinement de la distraction.
- Alyce Mahon, Paris, 2024
